Dirigida por Danny Boyle y escrita por Alex Garland, llega 28 años después, más como un reinicio que como el cierre de una trilogía.
Un Reinicio con Enfoque Generacional
Reinicio de la popular franquicia de zombis creada por Danny Boyle, que funciona menos como un cierre y más como el arranque de un spin-off generacional planteado como trilogía. Filmada con la misma mezcla de crudeza visual y urgencia narrativa que definió al primer capítulo, esta tercera entrega supone un regreso a las fórmulas ya conocidas, pero no para capitalizarlas sino para constatar lo poco que han evolucionado desde entonces y reinterpretarlas desde una nueva perspectiva generacional, que traslada la acción más allá del Londres devastado para adentrarse en un Reino Unido en ruinas, completamente aislado por una Europa continental que ha logrado erradicar el virus.
En este nuevo escenario, casi tres décadas después de que una variante sintética del virus de la rabia convirtiera a la población británica en monstruos homicidas, los últimos supervivientes han retrocedido hasta formas de vida casi medievales.
La Historia de Spike
Spike (Alfie Williams), un niño de 12 años, vive junto a su familia en Holy Island, una comunidad fortificada y aislada del continente en la que todo el mundo tiene un rol asignado, ya sea como cazador, granjero, maestro, etc. Cuando su padre (Aaron Taylor-Johnson) lo lleva por primera vez al exterior para enseñarle a eliminar a aquellos infectados que amenazan la seguridad del asentamiento, Spike se verá obligado a enfrentarse a un mundo hostil y lleno de secretos.
El Estilo de Danny Boyle
Danny Boyle, ganador del Óscar en 2008, es un cineasta que siempre ha oscilado entre el frenesí visual y la emoción íntima. En 28 años después, recupera esa energía, pero la filtra a través de una madurez formal que se traduce en una puesta en escena más contenida, menos centrada en la acción y más enfocada en la experiencia emocional de sus personajes. Su estilo, deudor del realismo sucio de los años 2000, reaparece aquí con un tono más reflexivo, que no busca tanto recrear la violencia de entregas anteriores sino en su normalización.
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La infección ha sido desplazada al paisaje de fondo de los protagonistas, quienes lejos de sanar, han aprendido a convivir sin esperanza y bajo el yugo de un futuro incierto.
Desde su secuencia inicial, que yuxtapone una pantalla de Teletubbies manchada de sangre con el estallido del horror, Boyle y Garland proponen una inquietud conceptual basada no tanto en la cuestión de cómo sobrevivir, sino en qué tipo de futuro puede construirse para las nuevas generaciones en un mundo devastado donde ya queda muy poco por preservar.
El Viaje de Madurez de Spike
28 años después centra su historia en su joven protagonista, cuya experiencia vital se inscribe dentro del cine iniciático y sus típicas fases de aprendizaje, dolor y transformación. En medio del paisaje apocalíptico, el guion de Alex Garland nos presenta el viaje a la madurez de Spike más como un estado de confusión permanente que como un tránsito lineal hacia la edad adulta. No idealiza la juventud del protagonista ni la convierte en un símbolo de redención; por el contrario, retrata su fragilidad con una crudeza inusual, en un mundo donde todas las estructuras familiares, políticas o simbólicas, han colapsado.
Boyle y Garland convierten su visión del coming-of-age en una experiencia marcada por la incertidumbre y la acerca a una forma de nihilismo casi beckettiano: avanzar cuando ya no queda sentido, ni dirección, ni futuro reconocible.
Estructura Narrativa y Visual
El guion apuesta por un ritmo deliberadamente irregular y una estructura fragmentada, enfocada más en provocar una experiencia emocional que en desarrollar la acción. En este sentido, 28 años después se enfrenta con su principal escollo, puesto que cuenta con un guion de ritmo intencionadamente irregular y fragmentado que, en más de una ocasión, desconcierta al espectador. Lejos de seguir la clásica estructura de tres actos, 28 años después se construye a partir de contrastes abruptos que alternan momentos de violencia visceral con largas secuencias contemplativas; escenas de lirismo oscuro, casi de fábula gótica, conviven con ráfagas de humor absurdo y grotesco.
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Esta constante oscilación tonal provoca una falta de progresión narrativa que impide que la película alcance una verdadera resolución, sin ofrecer un arco argumental cerrado ni una conclusión satisfactoria en términos convencionales. Resulta digno de análisis que esta ambigüedad no parece ser un descuido, sino una decisión plenamente aceptada por Boyle y Garland, quienes presentan su relato apocalíptico no como un espectáculo lúdico, sino como una experiencia caótica, emocionalmente confusa y profundamente humana.
Aspectos Visuales y Sonoros
Desde el punto de vista visual, 28 años después mantiene algunas de las señas de identidad de la franquicia: la cámara nerviosa y el montaje acelerado, los contrastes extremos de luz. Pero estas marcas, aunque reconocibles, aparecen aquí menos evidentes, diluidas en una propuesta visual que prefiere la sugestión al impacto. Danny Boyle vuelve a contar con el director de fotografía Anthony Dod Mantle y juntos construyen una imaginería intensa, exuberante, que mezcla formatos, texturas y técnicas con audacia. Hay secuencias rodadas con iPhones, cámaras térmicas, pasajes que adoptan el ritmo visual del videoclip y momentos que remiten al arte contemporáneo.
La sangre salpica la lente, las luces parpadean, y el montaje alterna bruscamente planos generales de paisajes imponentes con encuadres cerrados de rostros crispados y cuerpos mutilados. Dod Mantle saca un especial partido a los reflejos, los cristales rotos, las superficies húmedas, como si todo el entorno se reflejara en fragmentos superpuestos que permiten discernir un mundo hecho jirones. Con esta saturación sensorial se sumerge al espectador en un estado de percepción alterada que pretende reflejar el trauma psicológico de los personajes.
La violencia, cuando estalla, es gráfica y estilizada, pero no es representada de manera recreacional. A la fotografía de formato ultra panorámico (2.76:1), casi tres veces más ancho que alto, le acompaña una banda sonora a cargo del grupo escocés Young Fathers, que explora texturas electrónicas ambientales y disonantes, añadiendo una atmósfera oscura y compleja. Un ejemplo destacado es una adaptación del famoso poema Boots de Rudyard Kipling, utilizado incluso para presentar la película durante su fase promocional.
El diseño sonoro, compuesto de zumbidos, crujidos, sonidos naturales y voces lejanas, juega un papel crucial a la hora de generar desasosiego.
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Actuaciones y Temas Subyacentes
En cuanto al reparto, destacan figuras consagradas como Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson y Ralph Fiennes, pero también se introduce una nueva generación de personajes liderada por un brillante Alfie Williams. Sus interpretaciones encajan perfectamente con el tono austero y la resignación nihilista que atraviesa la película. No tienen grandes monólogos, ni catarsis emocionales, pero son clave para transmitir la idea de que la última población que queda en el Reino Unido se ve limitada a sobrevivir en una realidad donde la única certeza es la ausencia de futuro.
En última instancia, 28 años después es una capítulo de transición, más que episódico. Aunque se presenta como una especie de epílogo o elegía, no busca cerrar la trama de sobras conocida, sino abrir una nueva línea narrativa o spin-off que refleje la profunda inflexión cultural de nuestra época, marcada por el colapso institucional, la erosión de los discursos democráticos y la fragmentación identitaria. De hecho, ya se ha anunciado que esta película es el inicio de una trilogía, con su próxima entrega prevista para 2026 bajo la dirección de Nia DaCosta.
Y esto, en un contexto cinematográfico saturado de distopías supuestamente brillantes pero narrativamente planas, se convierte en su principal flaqueza.
A través de las continuas referencias al ciclo de muerte y renacimiento que siguen los personajes, guiados por un bucle de metáforas y alusiones de corte mitológico y religioso y respaldado por una puesta en escena y un alarde visual de composición de planos -no hay prácticamente ni uno que sobre, ninguno malo, todos son evocadores y exprimen el equilibrio de individuo y naturaleza hasta sus límites-, que levanta el nivel de la película hasta la madurez que nunca han alcanzado otras propuestas de sobrexplotación del “fenómeno zombi”, consiguen en esta película Boyle y Garland todo aquello que han buscado pero nunca han logrado hacer la serie y las múltiples secuelas y derivaciones de la serie The Walking Dead, y tampoco las miles de variantes y copias del clásico La noche de los muertos vivientes de George A.
El discurso de la película se articula sobre un convenientemente accesible y estimulante encadenado de dobles lecturas sembradas en el primer y segundo acto para que encuentren su eco en el tercer acto y el desenlace.
¿Sería ir demasiado lejos pensar en dos cineastas británicos reflexionando sobre el nuevo mapa europeo tejido por el brexit en uno de los alardes de lectura de la actualidad geopolítica que bañan saludablemente la filmografía de ambos? En todo caso es una pincelada de maestros en el conjunto de su retablo postapocalíptico culminada posteriormente de manera brillante en el guion para aludir al ciclo de muerte y vida, extinción y renacimiento que sobrevuela toda la trama, marcando esa idea de humanidad que no evoluciona, sino más bien involuciona, que ya no avanza y solo retrocede, sustentada visualmente en las secuencias de montaje en modo collage que aportan un aire psicodélico y al mismo tiempo son una herramienta narrativa de primer orden en la organización de la información de su relato.
Impacto y Legado
redefinió el cine de zombies y el imaginario apocalíptico del siglo XXI con una propuesta que combinaba el frenesí de la imagen digital, una sensibilidad marcada por el trauma del 11S y un potente subtexto político, que se plasmó con fuerza entre los planos de una Londres desierta y feroces ataques de infectados desatados. consolidó la saga desde una perspectiva más internacional y abiertamente militarista, expandiendo su alcance temático y formal.
Conclusión
En resumen, 28 años después es una película que arriesga, que ofrece una nueva perspectiva sobre el género de zombies y que, aunque puede dividir al público, es una muestra del talento y la visión de Danny Boyle y Alex Garland.
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